Lange hat es gedauert… jetzt ist es fast soweit. Der erste six strings Premium-Kurs  ist bald da.

Hier erfährst du alles, was du wissen musst. (<– klick!)

Du kennst ganz bestimmt schon Kristofer Dahl aus Schweden – Profi-Gitarrist und Gründer von Guitar Masterclass, wo er schon tausenden von Schülern das Gitarre spielen beigebracht hat. Bekannt ist er nicht nur für seinen guten Humor, sondern auch für sein exzellentes Gitarrenspiel. Er schafft es, mit viel Dynamik und Groove die schnellsten Gitarrenläufe auf das Griffbrett zu zaubern und dabei noch musikalisch und melodiös zu bleiben.

Wir haben die Möglichkeit bekommen, diesem ausgezeichneten Gitarristen und Wahsinns-Gitarrenlehrer 5 Fragen zu stellen, um so den Geheimnissen seines außergewöhnlich guten Gitarrespielens auf die Schliche zu kommen.

Hey Kris! Was sind die 5 größten Fehler, die die allermeisten Gitarrenanfänger machen?

• Fehler #1: Zu glauben, dass man sich mit dem ganzen langweiligen Zeug beschäftigen muss, bevor man seine Lieblingssongs und -Techniken lernen kann. Dieser Denkansatz ist Schuld daran, dass viele Leute schnell das Interesse am Instrument verlieren.

• Fehler #2: Spieltechnik nicht mit Metronom oder Backing Track zu üben.
• Fehler #3: nur Abschläge (statt Wechselschlag) mit dem Plektrum zu machen
• Fehler #4: Geschwindigkeit zu pushen. Diese sollten auf natürliche Art und Weise nach vielen Stunden des Übens kommen. Wenn man Geschwindigkeit forciert, bekommt man eine schlampige Technik.
• Fehler #5: Anfänger sollten realisieren, dass der Schlüssel zum Erfolg der ist, Wege zu finden, um inspiriert zu bleiben – damit man regelmäßig übt. Denkt über eure Ziele und Visionen nach, besucht Konzerte und schaut YouTube-Videos!

Was ist das Geheimnis des Shred-Gitarristen? Wie kann man lernen, Hochgeschwindigkeitsläufe auf das Griffbrett zu zaubern?

Minimale Finger- und Picking-Bewegungen und ein paar millionen Stunden mit Metronom – ein einfaches Rezept für Monstergeschwindigkeiten. Ich persönlich bevorzuge jedoch Mid-Tempo mit viel Tone. Das klingt nicht nur genauso schnell, sondern auch viel cooler – in meinen Ohren. Als Beispiel kommt mir Eric Johnson in den Sinn.

Was hast du – als sowieso schon brillianter Gitarrist – von den Gitarrenlehrern bei Guitar Masterclass gelernt?

Vielen Dank für das nette Kompliment! Sie haben mich erkennen lassen, wieviel es noch zu lernen gibt. Ich liebe es, weil ich nie aufhören möchte, zu lernen und mich weiter zu entwickeln.

Ben Higgins hat mich dazu inspiriert, mein Vibrato zu entwickeln, Gabriel Leopardi an meinem Songwriting zu arbeiten, Ivan Milenkovic bringt mich dazu, mein Blues bends härter zu trainieren, Cosmin Lupu weite mich in die tiefen Welten des Metal ein, Sinisa Cekic motivierte mich, an meinen Phrasierungen und Fusion zu arbeiten, etc.… die Liste geht ewig weiter.

Wie wichtig ist das Noten lesen für Gitarristen?

Es ist wie mit allem – es kommt darauf an, wie weit du es mit dem Gitarrespielen bringen möchtest. Es gibt zahlreiche Beispiele (wie mich), die einfach nur schlecht darin sind aber trotzdem Spaß mit ihrer Musik haben… und es gibt Millionen von Musikern, die es ohne diese Fähigkeit zu nichts gebracht hätten. Mein Rat wäre wahrscheinlich: lern Noten lesen, man weiß nie, wohin einen die Gitarre führt.

Welche Vorteile, denkst du, hat das Gitarre lernen im Internet gegenüber einem normalen Gitarrenlehrer? Gibt es Grenzen für Online Gitarrenkurse?

Heutzutage kriegt man im Internet das gleiche geboten, wie mit einem Privatlehrer – mit einer Ausnahme: Verzögerungszeiten für Online Jam-Sessions sind zu groß, damit es weltweit funktioniert. Es geht aber mit Gitarristen aus dem eigenen Land / der eigenen Region.

Bei GMC haben wir aber die anderen Aspekte gedeckt: persönliche Übungspläne, Feedback zu deinem Gitarrenspiel, Songwriting-Workshops/-Kollaborationen, sowie Kurse für Anfänger bis Profis, die alle großen Musikrichtungen abdecken.

Zum Schluss möchte ich mich bei euch für dieses Interview bedanken – und bitte macht so weiter mit eurer großartigen Arbeit an dieser Seite. :) Ich hoffe, euch bald wieder zu sprechen!

Kris, vielen Dank für das tolle Interview.

Hammer Guitar Masterclass Gewinnspiel: Skype-Session mit Kristofer Dahl persönlich oder 6-monatigen GMC-Zugang gewinnen

Zur Zeit veranstaltet Kris eine Promo-Aktion für seine neueste Single “Love Me”. Dabei kannst du einen 6-monatigen Zugang zu Guitar Masterclass oder eine Skype-Session mit Kristofer Dahl (!) persönlich gewinnen!

Hier sind die Regeln:

Nimm ein Video auf, wie du zum Backing Track von Love Me jammst an folgende E-Mail-Adresse: comp@gmc.my (Verwende Vorzugsweise Rapidshare oder einen anderen Filehosting-Service für größere Dateien). Lege einen Acapella-Track deines Solos bei, um am kommenden Teilnehmer-Medley teilzunehmen.

Die drei Gewinner werden am 15. September unter Kris’ YouTube-Channel bekanntgegeben.

Wir wünschen dir ganz viel Spaß und Erfolg beim Wettbewerb.

Links:

• Guitar Masterclass
• Love Me auf iTunes
• Love Me Backing Track

Kindheit und Jugend

Orianthi im Studio

Orianthi “Ori” Panagaris wurde am 22. Januar 1985 in Adelaide, Australien, als Kind einer griechisch-australischen Familie geboren. Glaubt man ihrer offiziellen Biographie, hat Orianthi geradezu eine Bilderbuchausbildung genossen: Sie soll mit drei Jahren begonnen haben, Klavier zu spielen, und mit sechs Jahren auf die akustische Gitarre umgestiegen sein. Das erste Mal eine elektrische Gitarre in die Hände genommen hat Orianthi mit elf Jahren, nachdem sie nach dem Besuch eines Santana-Konzertes ein großer Fan des Musikers wurde.

In ihrer Jugend hält sich Orianthi eine Zeit lang in Europa auf und feilt an ihrem Songwriting und ihrem spielerischen Können. In der folgenden Zeit nimmt sie an verschiedenen Talentwettbewerben teil. Mit nur 15 Jahren wird sie von niemandem geringeren als Steve Vai als Special Guest zu einem Konzert in ihrer Heimatstadt eingeladen und spielt mit ihm zwei Songs auf der Bühne. Ihr Jugendidol Carlos Santana trifft sie drei Jahre später, ebenfalls bei einem Konzert in Adelaide. Auch mit ihm spielt Orianthi eine Jam-Session. Orianthi findet in Santana einen begeisterten Gönner und Verehrer.

Beginn der Solo-Karriere

Orianthi Panagaris Solo-Laufbahn beginnt buchstäblich im Alleingang. 2005 nimmt sie in ihrem Home-Studio ihr erstes Album mit dem Titel “Violet Journey” auf, auf dem sie neben allen Instrumenten auch den Gesang übernimmt. Über Carlos Santana gerät diese CD, die zunächst nur im Selbstvertrieb erhältlich war, in die Hände von Paul Reed Smith, dem Gründer von PRS Guitars, der Orianthi fortan unterstützt und fördert. Wenig später zieht Orianthi nach Los Angeles, wo sie bei Geffen Records einen Major-Deal unterzeichnet. 2007 wird zunächst ihr Debut-Album durch Universal Music Australia wiederveröffentlicht; im selben Jahr tritt sie als Gitarristin für die Country-Pop-Sängerin Carrie Underwood auf.

Orianthi und Michael Jackson

Orianthi mit Michael Jackson

Durch ihren Auftritt bei den Grammy-Awards wird Michael Jacksons Manager auf Orianthi aufmerksam. Nach einem Vorspielen, bei dem Michael Jackson persönlich anwesend war, wird sie als Lead-Gitarristin für die damals in Planung befindliche “This Is It!”-Konzertserie unter Vertrag genommen. Orianthi nimmt an allen Proben der für die Londoner O2-Arena geplanten sage und schreibe fünfzig Auftritte teil. Nachdem Michael Jackson nur knapp drei Wochen vor dem ersten Auftritt überraschend stirbt, erscheint im Oktober des Jahres 2009 zunächst einmal Orianthis zweites Album – das erste mit einer professionellen Produktion – , “Believe”, das in den USA auf Platz Eins der Billboard-Charts für Newcomer landet und in Japan Goldstatus erreicht. Kurze Zeit darauf wird der Film “Michael Jackson’s This Is It” mit zahlreichen Aufnahmen von den Proben für die gleichnamige Tour veröffentlicht, auf denen auch Orianthi in zahlreichen Einstellungen zu sehen ist.

Neben einigen Produktionen mit Pop-Stars wie Mary J. Blige oder Adam Lambert steuert Orianthi Songs zu verschiedenen Videospielen und TV-Produktionen bei. Dass die junge Australierin allerdings auch von Gitarrengrößen und der Presse anerkannt wird, zeigt sich während ihrer noch jungen Karriere mehrfach: Unter anderem nahm Orianthi 2007 an Eric Claptons inzwischen legendärem Crossroads-Festival teil, trat vor ZZ Top auf und wurde 2010 vom Guitar-International-Magazin zum besten Newcomer des Jahres gewählt. Das Modemagazin Elle zählte sie neben Künstlerinnen wie Joan Jett oder Lita Ford zu den zwölf wichtigsten weiblichen Gitarristen – eine Ehrung, die natürlich mit Vorsicht zu genießen sein dürfte. Gelegentlich präsentiert Orianthi in Gitarren-Workshops ihre Technik einem interessierten Publikum. Orianthi nimmt in Los Angeles derzeit ihr drittes Solo-Album auf. Die CD soll noch 2011 veröffentlicht werden.

Highly Strung – Orianthi mit Steve Vai

Gitarren und Equipment

Orianthis PRS SE Signature

Wie Carlos Santana spielt Orianthi hauptsächlich elektrische Gitarren von PRS (Paul Reed Smith). Neben ihrem eigenen Signature-Modell, der PRS SE Orianthi, einem Instrument mit Double-Cutaway-Korpus aus Limbaholz und Ahorn, Ebenholz-Griffbrett mit 24 Bünden und zwei Humbuckern, je in Neck- und Bridge-Position, spielt sie auch eine PRS Custom 24, ihre erste elektrische Gitarre und das Instrument, mit dem Paul Reed Smith Mitte der Achtziger Jahre der Einstieg in den Markt gelang. Die Custom 24 dürfte das Vorbild für die SE Orianthi gewesen sein, denn beide Modelle unterscheiden sich im wesentlichen durch die verwendeten Pickups und Holzsorten. Orianthi benutzt darüber hinaus akustische Gitarren von Martin und von Maton, einem Gitarrenhersteller aus dem australischen Melbourne.

Die Auswahl der von Orianthi benutzen Amps und Effekte ist ähnlich überschaubar wie die ihrer Gitarren. Orianthi benutzt Topteile und Cabinets von EVH (5150 III), ENGL (Savage 120W) und Marshall (JVM), ein Wah von Morley (Steve Vai Signature “Bad Horsie 2″) und ein Chorus/Flanger von TC Electronic.

Orianthi über PRS

Kindheit, Weg zur Musik

Frank Vincent Zappa wurde am 21. Dezember 1940 als Sohn italoamerikanischer Eltern in Baltimore im US-Bundesstaat Maryland geboren. Seine frühe Kindheit war von schweren gesundheitlichen Problemen geprägt, die mutmaßlich darauf zurückzuführen waren, dass sich in der Nähe seines Elternhauses ein Lager für chemische Waffen befand. Um die gesundheitliche Situation der Familie (Zappa war das älteste von vier Kindern) zu verbessern, zog diese 1952 ins kalifornische Monterey, später nach San Diego um. Die musikalische Entwicklung Zappas beginnt mit dem Schlagzeug: Als Teenager wird er Drummer einer Highschoolband, beginnt sich aber auch für klassische und avantgardistische Musik und Jazz zu interessieren. Insbesondere der französische Komponist Edgar Varèse hatte es dem jungen Zappa angetan.

In seiner Zeit an der Antelope Valley High School in Lancaster, Kalifornien, lernte er Don Van Vliet, den späteren Captain Beefheart, sowie Jim Sherwood, einen späteres Mitglied seiner Band Mothers of Invention, kennen. Während dieser Zeit beginnt Zappa außerdem, Gitarre zu spielen, und begründet damit seinen späteren Ruf als Multiinstrumentalist. Anfang der Sechziger Jahre arbeitet Zappa als Komponist für verschiedene Produktionen und übernimmt schließlich ein Tonstudio, das “Studio Z”, von einem Bekannten, um dort hauptsächlich eigene Arbeiten und Soundexperimente aufzunehmen. Viele der in dieser Zeit entstandenen Aufnahmen (achtzig Stunden Material) gelten als verschollen, seitdem das Studio Z wegen Pornographieanschuldigungen gegen Zappa 1965 von der Polizei durchsucht wurde.

The Mothers of Invention und Solo-Laufbahn

Alleine die Zahl der LP-Veröffentlichungen Frank Zappas ist so groß, dass an dieser Stelle nur auf die allerwichtigsten Eckdaten seines musikalischen Schaffens eingegangen werden kann. Zappa hat zwischen 1960 und 1993 mehr als sechzig Studioalben produziert und bis heute werden noch immer unveröffentlichte Aufnahmen oder Kompositionen (bis 2010 27 Titel) nachgelegt.

Die Geschichte der Mothers of Invention begann 1965 mit Zappas Einstieg in die Band The Soul Giants, bei denen er den ursprünglichen Gitarristen ersetzte und den Gesang übernahm. Unter dem Namen The Mothers gelang es der Truppe um Zappa und den Leadsänger Ray Collins, einen Plattenvertrag an Land zu ziehen.

The Mothers of Invention: Freak out!

Das erste Album der Mothers of Invention, “Freak Out!”, erschien 1966 und ging als das zweite Rock-Doppelalbum überhaupt (das erste war Bob Dylans “Blonde on Blonde”) in die Musikgeschichte ein. In der folgenden Zeit veröffentlichten die Mothers of Invention durchschnittlich zwei Studioalben pro Jahr, darunter Titel wie “We’re Only in It for the Money” (1968), welches mit seinem Cover-Artwork das damals aktuelle Beatles-Album “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” auf die Schippe nahm, oder “Uncle Meat” (1969), welches nach Aussage der Band eigentlich der Soundtrack zu einem Film werden sollte, der letzten Endes aber nie gedreht wurde. Gleichzeitig begann Zappa, an seiner Solo-Karriere zu arbeiten und veröffentliche 1967 seiner erstes Solo-Album, “Lumpy Gravy”, auf dem er sich, noch mehr als bei den Mothers of Invention, seinen eigenen Klassik- und Jazz-Einflüssen stellte. Aufgrund finanzieller Schwierigkeiten und persönlicher Konflikte löste Zappa die Mothers of Invention nach Veröffentlichung von “Uncle Meat” auf, nur um sie ein Jahr später mit neuer Besetzung unter dem verkürzten Namen “The Mothers” neu zu formieren.

In der Zwischenzeit hatte Zappa sein zweites Solo-Album, “Hot Rats” (1969), aufgenommen, auf dem er erstmals den überwiegenden Teil der Gitarrenparts übernahm. Die Mothers veröffentlichten zwei Live-Alben sowie den Soundtrack zu Zappas Film “200 Motels”, lösten sich aber bereits 1971 wieder auf, nachdem Zappa nach einem Sturz (er wurde bei einem Konzert im Londoner “Rainbow Theater” von einem Fan von der Bühne gestoßen und verletzte sich dabei schwer) für fast ein Jahr nicht mehr auftreten konnte. Er beschäftigte sich in dieser Zwangspause weiter mit seinen Solo-Projekten und trat erst 1972, diesmal als “Frank Zappa and the Mothers of Invention”, wieder live auf. Unter diesem Namen wurden zwei Studioalben und ein weiteres Live-Album herausgegeben; nach 1975 legte Zappa die Band jedoch endgültig aufs Eis.

Vais erstes Album mit Zappa

Bis Ende der Siebziger Jahre produzierte Zappa weitere acht Alben, darunter einige Live-Platten (u. a. “Bongo Fury” mit Captain Beefheart). Nachdem Zappa das gesamte Jahr 1980 über unterwegs war, erschien sein nächstes Album, “Tinseltown Rebellion” (im Übrigen die erste Veröffentlichung, auf der Steve Vai zu hören ist), erst 1981. In den folgenden zwölf Jahren – bis zu Zappas Tod – veröffentlichte er noch mehrere Dutzend Platten, die zum Teil unter der Mitwirkung hochkarätiger Gastmusiker (Carlos Santana, Johnny “Guitar” Watson, Lowell George oder Sting) entstanden, unter diesen eine beträchtliche Anzahl an Live-Aufnahmen und Platten mit Überlänge (bis zu drei LPs pro Veröffentlichung). Zusätzlich zu diesen Band-Produktionen organisierte er außerdem Orchesteraufnahmen seiner eigenen Kompositionen; unter diesen sind vor allem diejenigen mit dem London Symphony Orchestra hervorzuheben. Frank Zappa starb am 4. Dezember 1993 an einer Krebserkrankung.

Frank Zappa im Interview kurz vor seinem Tod

Gitarren

Zappa war nicht nur Multiinstrumentalist, sondern auch Sammler. Neben seltenen Mikrofonen sammelte er Gitarren, die überwiegend eigens für ihn angefertigt oder modifiziert wurden. Zu den bekanntesten Gitarren, die Zappa während seiner Karriere spielte, zählen seine “Babysnakes”-SG und die legendäre “Hendrix/Zappa”-Stratocaster. Die sogenannte Babysnakes-SG (benannt nach dem Film “Baby Snakes”, in dem sie zu sehen ist) wurde Zappa während eines Konzerts in Phoenix/Arizona als Ersatz für seine defekte, vorherige SG angeboten. Obwohl sich auf der Kopfplatte des Instruments das berühmte Gibson-Logo befindet und der Korpus die SG-typische Double-Cutaway-Form hat, hat das Instrument mit einer herkömmlichen SG nicht viel gemeinsam – vermutlich stammt die Gitarre nicht einmal von Gibson.

Dweezil Zappa mit der Hendrix Strat

Über das Innenleben der Babysnakes-SG ist wenig bekannt, schon bei oberflächlicher Betrachtung fallen die zahlreichen Schalter und Regler am Korpus sowie der mit 23 statt der üblichen 22 Bünde ausgestattete Hals auf. Zappa nutzte das Instrument vor allem auf “Over-Nite Sensation” und “Apostrophe(‘)” (1973 bzw. 1974). Die sich noch heute im Besitz seines Sohnes Dweezil befindliche Hendrix-Strat wurde Frank Zappa vermutlich Ende der Sechziger Jahre von einem Hendrix-Roadie gegeben. Die Gitarre zeichnet sich durch ihre Verbrennungsspuren aus, die entstanden, als Hendrix das Instrument (vermutlich) bei einem Konzert im Londoner Astoria anzündete. Weil sowohl der Hals als auch das Pickguard sowie die komplette Elektronik der Hendrix-Strat dabei zerstört wurden, wurde die Gitarre im Laufe der Jahrzehnte von Frank und Dweezil Zappa mehrfach erneuert und komplett umgebaut.

Herzlich Willkommen zum achtzehnten Teil der six strings-Kolumne mit dem Namen “Band Success”. Hier ist der zweite Teil zu eurer Homepage.

Letzte Woche ging es um grundsätzliche Überlegungen, wie eine Homepage für deine Band aussehen kann. Jetzt machen wir mit den wesentlichen Inhalten weiter:

Auftritte

• Wo tretet ihr als Nächstes auf?
• Vergesst nicht die Adresse der Veranstaltung und wann es losgeht.
• Wo seid ihr bereits aufgetreten?
  Dieser Punkt dient euch als Referenz für zukünftige Gigs. Wer bucht schon gerne eine Band, die noch keinen Auftritt hatte? Führt hier auch ruhig Privatveranstaltungen auf.

Referenzen

Genau, davon hatten wir es gerade schon. Ich persönlich finde diesen Menüeintrag trotzdem sehr interessant. Veranstalter schauen sich vielleicht die Liste eurer Auftritte nicht an. Schreibt hier rein, wo ihr schon erfolgreich aufgetreten seid. Geburtstagsfeiern usw. sind hier nicht angebracht. Die gehören eins weiter oben hin. Auftritte in Musikkneipen, bei Firmenveranstaltungen, Straßenfesten und bei Vereinen schon.

Presse

Wenn ihr positive Kritiken zu euren Auftritten in der lokalen Presse bekommen habt, dann rein damit! Scannt die entsprechenden Artikel und achtet darauf, dass sie gut lesbar sind.

Downloads

Achtung!

Jetzt wird es kritisch!

Ich rate euch dringend davon ab, Coversongs als MP3 oder als Stream auf eurer Homepage zur Verfügung zu stellen. Sonst kann es euch passieren, dass die GEMA oder diverse Anwälte, die sich auf Abmahnungen von Homepages spezialisiert haben, gnadenlos zuschlagen, und das wird richtig teuer.

Es kursiert das Märchen, dass alles kein Problem ist, solange ein Titel kürzer als 45 Sekunden ist. Ich würde es sein lassen, dann seid ihr auf der sicheren Seite…

Ihr könnt im Downloadbereich selbstverständlich eigene Songs zur Verfügung stellen.

Was gehört hier sonst noch rein?

• Pressefotos, diese sollten gut gemacht und hochauflösend sein.
• Ein von der Band verfasster Pressetext, kurz und knackig. Veranstalter und Journalisten werden es euch danken!
• Eine Bühnenanweisung (Stageplan)
  Jeder Besitzer einer Musik Kneipe lacht sich tot, wenn ihr ihm so etwas schickt. Wenn ihr allerdings mit einem professionellen Tontechniker zusammen arbeitet, dann ist das Pflicht.
  • Wer steht wo?
  • Wie viele Monitorboxen, Mikros, Kabel, Stromversorgung usw. werden benötigt?
  • Mindestgröße der Bühne

Foto Gallerie

Stellt regelmäßig Fotos von eurer Band und den Auftritten auf die Homepage. Schreibt dazu, wo und wann der Auftritt war.

Die Bandgeschichte

Erzählt, wie eure Band entstanden ist und wie sie sich seither weiterentwickelt hat. Dieser Menüeintrag muss ständig ergänzt werden, wenn ihr dazu keine Lust habt, dann lasst ihn weg.

Das Gästebuch

Für die Band ist das Gästebuch das Wichtigste auf eurer Homepage. Hier kann jeder seine persönliche Meinung schreiben, egal ob es um das letzte Konzert oder sonst was geht. Positives oder negatives Feedback, ihr seid ständig mit Fans und Konzertbesuchern in Kontakt. Moderiert das Gästebuch, d.h. beantwortet die Einträge. So könnt ihr eure Fangemeinde ständig erweitern!

Der Newsletter

Ihr wollt eure Fans informieren? Dann ist ein Newsletter genau das, was ihr braucht. Genau so wie beim Gästebuch könnt ihr dafür auf kostenlose Angebote im Internet zugreifen, die sich einfach in eure Homepage integrieren lassen.

Was ist ein Newsletter? Ganz einfach, eine Liste, in die sich interessierte Personen eintragen können. Wenn deine Band einen neuen Auftritt hat oder es sonst etwas Interessantes zu berichten gibt, dann könnt ihr es über den Newsletter an alle verschicken.

Links

Hier könnt ihr auf befreundete Bands hinweisen, aber auch auf Veranstalter, bei denen ihr schon gespielt habt. Das Prinzip ist ganz einfach: “Ich verlinke dich und du verlinkst mich”. Jeder hat was davon und keinem tut es weh!

Kontakt

Hier steht die Adresse von dem Ansprechpartner eurer Band. Booking, neue Musiker anwerben usw. E-Mail und Telefonnummer sind Pflicht. Ein Antwortformular und eine Anfahrtsbeschreibung werten das Ganze auf, müssen aber nicht unbedingt sein.

Impressum

Jetzt wird es richtig spannend!

“Ich weiß, dass ich nichts weiß” (Platon oder Sokrates, keine Ahnung).

Das (fehlende) Impressum ist eine beliebte Spielwiese für Abmahnungs-Anwälte. Ich kann euch zu diesem Thema nicht viel sagen, nur eines, baut in eure Homepage auf jeden Fall ein Impressum ein!!!

Auf jeden Fall muss der für die Homepage Verantwortliche erreichbar sein, Telefon oder E-Mail.

Es gibt im Netz viele kostenlose Vorlagen für ein Impressum. Sucht euch eine aus und passt sie auf eure persönlichen Bedürfnisse an.

Das war es für heute

Wie immer gilt, auch ich bin nicht allwissend. Das six-strings Team freut sich auf eure Kommentare. Wir diskutieren gerne mit euch!

Bis bald

Herzlich Willkommen zum siebzehnten Teil der six strings-Kolumne mit dem Namen “Band Success”. Die nächsten zwei Folgen beschäftigen wir uns mit einer Homepage für deine Band.

Jede Band sollte eine eigene Homepage haben. Warum? Das schauen wir uns jetzt mal näher an.

Was bringt euch eine Homepage?

Sie ist die Visitenkarte eurer Band im Internet. Ihr habt eine Plattform, auf der ihr euch präsentieren könnt. Egal, ob ihr euch für einen Auftritt bewerbt, neue Musiker sucht oder Freunde, Bekannte und eure Familie für eure Band interessieren wollt. Eine eigene Homepage ist ein super Hilfsmittel, um mit wenig Geld Werbung für euch zu machen.

Versprecht euch aber nicht zu viel von der Homepage. Die Chancen, dass euch ein Veranstalter bucht, weil er eure Seite im Netz gefunden hat, gehen gegen null. Schön, wenn es klappt, aber es geht um etwas anderes. Ihr seid für die Leute, die euch kennen oder schon mal live erlebt haben, immer ansprechbar und ihr habt die Möglichkeit, eure Fans ständig mit Neuigkeiten über eure Band zu informieren. Das ist ein unschätzbarer Vorteil!

Wie könnt ihr eine Homepage erstellen?

Es gibt zwei Möglichkeiten:

• Ihr macht es selbst
  Im Internet gibt es gute Freeware Programme, mit denen ihr eure persönliche Homepage erstellen könnt. Dann müsst ihr euch aber selbst um alles kümmern. Es ist sinnvoll, wenn einer aus der Band diese Aufgabe übernehmen kann. Oder ihr kennt jemand, der Spaß daran hat und das für euch übernimmt. Der Verantwortliche für eure Homepage muß aber zuverlässig sein. Nur so ist sicher gestellt, dass sie ständig aktuell ist.  Achtet unbedingt darauf, dass ihr Änderungen und Ergänzungen selbst ohne Probleme realisieren könnt. Weniger ist mehr!
• Ihr beauftragt einen externen Spezialisten
  Den müsst ihr allerdings bezahlen. Der Vorteil dieser Alternative ist, dass ihr euch nicht um technische Details kümmern müsst. Ihr liefert eure Texte, Bilder, Designvorschläge und diese werden dann umgesetzt.

Was ist technisch nötig?

• Ein Server, auf dem ihr eure Seite speichern könnt (Webspace). Wenn ihr eine Amateurband seid und keine kommerziellen Interessen verfolgt, dann reicht es in der Regel, wenn einer von euch eine DSL-Flatrate hat, da ist in den meisten Fällen ausreichend Speicherplatz auf dem Server des Anbieters im Preis inbegriffen.
• Eine Domain, das ist eure Adresse im Netz, z.B. “www.laut-und-gut.de”. Die könnt ihr euch auf www.denic.de sichern.

Tipp:

Sucht euch einen lokalen Anbieter, der euch den nötigen Webspace bereitstellt und die gewünschte Domain für euch beantragt. Das bekommt ihr ab fünf Euro im Monat. Es ist nicht viel Geld und ihr habt immer einen persönlichen Ansprechpartner, falls etwas schief läuft.

Das Design

Eine einfache Homepage ist besser als keine! Stellt erstmal nur eine einfache Seite mit folgendem Inhalt ins Netz:

• Bandname
• Ansprechpartner mit Adresse, Telefonnummer und E-Mail.

Alles weitere könnt ihr immer noch später entwerfen.

Wenn ihr schon konkrete Vorstellungen habt, aber diese nicht technisch umsetzen könnt, dann skizziert sie auf einem Blatt Papier im Querformat. Egal, ob ihr jemand kennt, der grafisch begabt ist oder ob ihr einen Grafiker beauftragt, die erste Idee ist schon mal da. Hört euch unbedingt die Vorschläge von außen an, es kann auf keinen Fall schaden!

Der Inhalt eurer Homepage

Nichts ist langweiliger, als eine Homepage, auf der es nichts Neues gibt. Aktualisiert sie regelmäßig, dann werdet ihr immer neugierige Besucher haben. Was auf eine Band-Homepage gehört, ist letztendlich Geschmackssache. Im Folgenden ein paar Vorschläge.

Wer sind wir?

Hier habt ihr die Möglichkeit, euch vorzustellen:

• Stellt die einzelnen Musiker eurer Band vor
• Vorname, evtl. Nachname
• Foto
• Instrument

Zusätzlich könnt ihr z.B. erwähnen, wer vorher in welcher Band gespielt hat, Equipment, Persönliches usw. Das ist informativ, aber nicht unbedingt notwendig. Eurer Fantasie sind keine Grenzen gesetzt.

Was spielen wir?

Hier könnt ihr entweder kurz zusammenfassen, was eure Stilrichtung ist, z.B. Coversongs, eigene Stücke, Rock, Metal, Blues usw.

Oder ihr bringt eine Liste der Songs, die ihr drauf habt. Diese solltet ihr dann aber regelmäßig überarbeiten und ergänzen.

Nächste Woche geht es weiter

So, das war es erstmal, nächste Woche kommt Teil 2.

Viel Spaß.

Lieber six strings-Leser,

wie dir sicher aufgefallen ist, ist hier in den letzten Wochen etwas weniger los gewesen als sonst. Das hat den Grund, dass momentan einfach unter der Haube mehr passiert, als sonst. Während wir an einem neuen Design für six strings arbeiten, das der Fülle an Inhalten und den Kursfunktionen gerecht werden soll, sind Heiko und ich mit einem speziellen Kurs eingespannt, der dich von einem einfachen Gitarristen zu einem echten Musiker machen wird. Mehr dazu erfährst du bald. ;)

Den neuen six strings-Look gibt es derzeit nur für unsere Facebook-Fans. Wenn auch du mal reinschnuppern möchtest, dann werde jetzt Fan! (<– Klick!)

Wir hören bald voneinander. :)

Liebe Grüße

Macks

Kindheit und Musikstudium

Wes Borland Live 2010 – LimpBizkit.com

Wesley Louden “Wes” Borland wurde am 7. Februar 1975 geboren. Über seinen Geburtsort existieren kurioserweise zwei unterschiedliche Angaben. So ist in einigen Quellen zu lesen, Borland stamme aus Richmond, Virginia, während andere behaupten, er sei in Nashville im US-Bundesstaat Tennessee geboren. Borland soll im Alter von etwa zwölf Jahren den Wunsch geäußert haben, Schlagzeug zu spielen. Da seine Eltern jedoch mit diesem Instrument nicht einverstanden waren, begann Borland, Gitarre zu lernen.

In der Schule hatte Borland ständig Schwierigkeiten mit Mitschülern und galt als Außenseiter. Nach dem Umzug seiner Familie nach Jacksonville, Florida, nahm Borland regelmäßig Gitarrenunterricht; er hatte zwei Lehrer, von denen der eine ihm Unterricht in Rock-, Country- und Bluesgitarre gab und der andere ihn in den Techniken der klassischen Gitarre unterrichtete. Seine eigenen musikalischen Vorbilder waren in dieser Zeit indes ganz woanders zu finden; Borland soll in seiner Jugend vor allem Bay-Area-Thrash à la Metallica und Testament sowie Punk aus dem Umfeld der Los-Angeles-Hardcore-Szene (Black Flag, Circle Jerks) gehört haben. Borland entschied sich einige Zeit später, den klassischen Unterricht aufzugeben und stattdessen ein dreijähriges Studium mit dem Schwerpunkt Jazz-Gitarre an einer Universität zu beginnen.

Video: Wes Borland demonstriert Riff

Limp Bizkit und Solo-Aufnahmen

Limp Bizkit's Klassiker: Chocolate Starfish and the Hotdog Flavored Water

Die Band Limp Bizkit wurde Mitte der Neunziger Jahre von Fred Durst (Gesang), Sam Rivers (Bass), Rob Waters (Gitarre) und John Otto (Schlagzeug) in Jacksonville gegründet. Wes Borland wurde von John Otto, mit dem er zuvor gemeinsam zur Schule gegangen war, als Gitarrist für die neue Band ins Gespräch gebracht. Borland soll die Band vor allem durch sein beidhändiges Tapping beeindruckt haben und ersetzte kurze Zeit später Rob Waters als Gitarrist. Das noch mit Waters aufgenommene Demo “Mental Aquaducts” (1995) brachte der Band einen Deal mit dem Label Mojo Records ein, der wenig später von dem Label Flip Records übernommen wurde. Die erste CD der Band, “Three Dollar Bill, Yall$”, erschien 1997 und hat inzwischen Doppel-Platin-Status erreicht.

Der Durchbruch gelang Limp Bizkit wenig später mit ihrem zweiten Album, “Significant Other”, das schon kurz nach seiner Veröffentlichung im Juni 1999 Platz Eins der US-Billboard-Charts erklommen und innerhalb weniger Wochen Platin-Status erreicht hatte. An den Aufnahmen beteiligt waren Jonathan Davis von Korn, Scott Weiland von den Stone Temple Pilots, Les Claypool, Eminem sowie Serj Tankian von System of a Down. Nachdem es zu Streitigkeiten zwischen Limp Bizkit und System of a Down bzw. dem gemeinsamen Management kam, wurde allerdings der mit Tankian aufgenommene Track, “Don’t Go Off Wandering”, von der endgültigen Albumfassung entfernt und ist auf der veröffentlichten CD nicht enthalten.

Ebenfalls nicht Teil des offiziellen CD-Releases sind die Stücke mit Les Claypool und Eminem. Aufgrund der damals innovativen Mischung aus Rap und Metal und der Vorreiterrolle der Band innerhalb der Nu-Metal-Szene verkaufte sich das Album bis heute weltweit mehr als 14 Millionen mal. Diesen Erfolg sogar noch überbieten konnte die Band von Borland mit ihrem dritten Album, “Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water”, das ein Jahr später erschien.

Wie sein Vorgänger stieg es auf Platz Eins in die Billboard-Charts ein und ging bereits innerhalb der ersten Woche nach seiner Veröffentlichung mehr als eine Million mal über die Ladentheken. Obwohl die CD im Durchschnitt schlechtere Kritiken einfuhr als ihr Vorgänger, ist sie bis heute der meistverkaufte Longplayer der Band. Zahlreiche Größen der Rap- und Hip-Hop-Szene steuerten zu “Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water” Texte oder Guest-Vocals bei, darunter Namen wie Xzibit, Mark Wahlberg oder die legendären Run-DMC. Weil Borland sich allerdings in der Zwischenzeit mehr und mehr von dem von Limp Bizkit gespielten Nu Metal weg entwickelt hatte, verließ er die Band 2001 um sich seinem eigenen Projekt Big Dumb Face zu widmen.

Borland übernahm in Big Dumb Face den Gesang und die Leadgitarre, während sein Bruder Scott Borland die zweite Gitarre spielte. Big Dumb Face veröffentlichten im März des Jahres eine CD mit dem Titel “Duke Lion Fights the Terror!!”, die jedoch kein großer Erfolg wurde. Bevor Borland 2004 wieder zu Limp Bizkit stieß, beteiligte er sich an verschiedenen Projekten mit anderen Musikern, darunter dem Soundtrack zum Film “Underworld” (2003). Nach Borlands Wiedereinstieg bei Limp Bizkit erschienen unter seiner Mitwirkung bislang zwei weitere Alben der Band, “The Unquestionable Truth (Part 1)” (2005) und “Gold Cobra” (2011).

Musikvideo: Limp Bizkit – Gold Cobra

Seit 2005 ist Borland außerdem Mitglied der Supergroup Black Light Burns, zu der neben ihm auch zwei Nine Inch Nails-Musiker, Danny Lohner und Josh Freese, gehören. Black Light Burns haben bis dato ein Album, “Cruel Melody” (2007), veröffentlicht. Für Aufsehen sorgte Borlands Intermezzo bei Marylin Manson, wo er als Tour-Gitarrist ganze zwei Shows bestritt.

Wes Borlands Gitarren

Wes Borland hat in der Vergangenheit hauptsächlich Instrumente von Ibanez, darunter verschiedene siebensaitige Modelle gespielt. Inzwischen nutzt er überwiegend die von Yamaha für ihn entworfenen Signature-Gitarren mit der Modellnummer CV820 WB. Diese halbakustische Gitarre besticht durch ein recht ungewöhnliches Design. Der Korpus besteht aus einem Stück Erlenholz, das mit einer Deckplatte aus Ahorn versehen ist. Optisch fällt das Instrument schon alleine wegen seiner für moderne Gitarren ungewöhnlichen F-Löcher auf. Der Ahornhals der Gitarre ist mit einem 24-bündigen Palisandergriffbrett ausgestattet. Für die Tonabnahme sorgen zwei Alnico V Split-Humbucker in Bridge- bzw. Neck-Position.

Video: Wes Borland demonstriert Ibanez Gitarre

Diese Frage wird uns mit am Häufigsten über unseren Online Gitarrenlehrer-Service gestellt: Muss man als Gitarrist Noten lesen können? Grundsätzlich sollte man diese Frage aus mehreren Perspektiven betrachten und wissen, wohin man als Gitarrist möchte.

So ist es nicht notwendig, Noten lesen zu können, um Gitarre spielen zu lernen. Wir Gitarristen haben unsere ganz eigene Notation: die Tabulatur.  Ich denke, dass jeder Gitarrist die Tabulatur lernen sollte. Ungeachtet dessen, ist aber noch eine Form der Notation für jeden Gitarristen wichtig: Rhythmusnotation. Ich denke sie ist absolutes Basiswissen, denn sie erleichtert dir das Gitarre lernen ungemein, wenn du erstmal Rhythmen lesen kannst.

Rhythmusnotation und Tabulatur zu können, ist also absolut ausreichend, um Gitarre spielen zu lernen. Nein, du musst keine Noten lesen können, um Gitarre zu lernen.

Welcher Gitarrist muss Noten lesen lernen?

Lass uns über die Vorteile der traditionelle Noten sprechen:

1. Noten sind universell und nicht an ein Instrument gebunden
2. Jeder Musiker sollte Noten verstehen
3. Sie sind ein wichtiges Kommunikationswerkzeug innerhalb einer Band
4. Du kannst mit Noten deine eigenen Ideen aufschreiben und Melodien oder ganze Stücke für fremde Instrumente schreiben
5. Fast alle Bücher über Musiktheorie kommunizieren über die Standard-Notation
6. Viele DAWs haben interne Noteneditoren, mit denen du VST-Instrumente ansprechen kannst
7. Jeder professionelle Gitarrist muss Noten lesen können – ob Gitarrenlehrer oder Studio-Musiker

Wie du siehst, kristallisiert sich recht deutlich heraus, dass jeder, der es ernst mit der Musiker und der Gitarre meint, Noten lesen lernen sollte. Wenn du vorhast, irgendwann mal auf professionellem Niveau Musik zu machen und über mehr Können und Wissen verfügen möchtest, als der durchschnittliche Hobby-Gitarrist, dann ist das Erlernen von Noten ein erster Schritt.

Übrigens: ist dir schon aufgefallen, wie vorurteilsbehaftet Gitarristen in der Musikszene sind? “Gitarristen haben schlechtes Timing”, “Gitarristen dudeln immer nur rum”, “Gitarristen wollen immer lauter sein, als der Rest der Band”, “Gitarristen können keine Noten lesen“…

Wenn du deinen Kollegen zeigen willst, dass auch du als Gitarrist ein echter Musiker bist, dann könnte dir das Noten lesen lernen vielleicht dabei helfen. ;)

Herzlich Willkommen zum sechzehnten Teil der six strings-Kolumne mit dem Namen “Band Success”. Heute geht es um das Leadsheet.

Das Leadsheet wird häufig im Jazz sowie im Rockbereich verwendet und hilft Musikern die Strukturen eines Songs zu überblicken.

Das klassische Leadsheet

Schaue dir z.B. mal das Real Book an. In diesem Standardwerk für Jazzer wurden Jazz Standards als Leadsheets notiert, teilweise sogar handschriftlich. Das klassische Leadsheet hat folgende Bestandteile:

• Die Melodie ist in Notenschrift dargestellt

• Über den Noten stehen die Akkordbezeichnungen

• Falls es einen Text gibt, wird dieser unter den Noten hinzugefügt.

Und das war es auch schon, ein Leadsheet soll nur als grobe Orientierung dienen, das Arrangement des Songs ist Sache der Musiker. Du fragst dich nun wahrscheinlich, warum ich einen Artikel in “Band Success” über so ein banales Thema schreibe? Ganz einfach, ein Leadsheet ist für eure Band ein Super Hilfsmittel, um neue Songs zu proben und zu entwickeln. Deshalb verlassen wir jetzt ausgetretene Pfade und gehen die Sache kreativ an!

Das etwas andere Leadsheet

Gehen wir davon aus, dass ihr einen Song covern wollt, das ganze funktioniert natürlich genauso gut mit eigenen Stücken.

Besorgt euch den Text, die Akkorde und eine Aufnahme des Songs. Wenn jeder von euch den Song im Ohr hat, dann testet, ob der Sänger mit der Tonart klarkommt. Nehmt euch ausreichend Zeit, ggf. müsst ihr das Stück transponieren. Euer Sänger muss es locker singen können, sonst macht es keinen Sinn.

Legt als nächstes einen Ablauf fest, d.h. wie wollt ihr den Song spielen?

Beispiel:

Intro

Strophe 1

Strophe 2

Refrain

Strophe 3

Gitarrensolo über Strophe

Refrain

Outro

Füllt das ganze mit dem Text und den Akkorden.

Tipp:

Es wird wahrscheinlich einige Änderungen geben, bis ihr mit dem Ergebnis zufrieden seid. Schreibt das Leadsheet am Besten auf dem Computer.

Die Feinheiten

Die Überschrift

Titel und Komponist, vielleicht noch bekannte Interpreten. So findet ihr den Song schnell und könnt bei einem Auftritt eine entsprechende Ansage an das Publikum bringen.

Legt das Tempo, in dem ihr den Song spielen wollt fest, z.B. 120 BPM, der Schlagzeuger wird es euch danken.

Dynamik

Welcher Teil soll laut oder leise gespielt werden?

Gibt es Stopps?

Wie der Name schon sagt, die Band stoppt und setzt nach einer gewissen Zeit wieder ein.

Das Datum der aktuellen Version

So seid ihr auf der sicheren Seite. Auch nach mehreren Änderungen habt ihr immer die aktuellste Version eures persönlichen Arrangements zur Hand und könnt schnell klären, ob jeder das gleiche Blatt Papier vor sich liegen hat.

Speicherort der Datei

Irgendeiner verliert garantiert sein Exemplar. Deshalb druckt den Speicherort auf das Leadsheet, z.B. in die Fußzeile. Schon hat die Sucherei ein Ende. Vergleicht dazu nochmal “Band Success” 14 und 15.

Papierkram

Es wäre optimal, wenn ihr das Leadsheet auf eine DinA4 Seite bekommt. Maximal zwei Seiten, so kann es jeder bequem auf einen Notenständer legen und muss nicht umblättern. Achtet aber unbedingt auf die Lesbarkeit, auch unter Auftrittsbedingungen, falls ihr das Sheet hierbei benötigt.

Und jetzt viel Spass!

Jeder von euch bekommt ein Exemplar und es kann losgehen. Das waren einige Anregungen, vielleicht hast du noch einige gute Ideen zu diesem Thema. Dann teile sie mit anderen Lesern, sie werden dir dankbar sein.

Bis zum nächsten Mal,

Keep on rocking!